Avouons-le, je ne suis pas un grand amateur d’histoires de canards. Comme tout le monde, j’ai lu le journal de Mickey dans mon enfance mais je n’en garde pas de souvenirs saillant. Les colères de Donald et l’avidité pécuniaire de Picsou ne m’ont jamais vraiment amusé, et à l’âge adulte, j'ai été fort étonné de découvrir la place proéminente qu’occupe Carl Barks au panthéon des comics books.

 Uncle $crooge (ce nom est mieux réussi que celui de «Picsou) a été créé par Carl Barks en 1947 dans une histoire de Donald intitulée Christmas on Bear Mountain. Ce vieil avare était au départ inspiré par Ebenezer Scrooge, un personnage de Dickens qui apparaît dans la Cantate de Noël. Cette apparition devait être transitoire,  mais le caractère avide et impétueux de Picsou lui a rapidement permis de prendre un rôle plus important. Carl Barks déclarait que ce personnage avait été « un nouveau ressort », et qu’il lui avait inspiré plus d’idées  que Donald dont il ne savait pas toujours que faire. L’imagination de Barks semble intarissable et il est un véritable créateur d’univers, mais il faut admettre que son Picsou reste un pingre caricatural et un personnage de comédie.

 Après Carl Barks, de nombreux dessinateurs ont adopté ce personnage qui est devenu une vedette dans le monde de Walt Disney, prenant progressivement la place de Mickey et de Donald. Dans la longue liste de ces successeurs, Keno Don Rosa s’est montré sans aucun doute le créateur le plus important. Fan de Carl Barks depuis sa jeunesse, et dessinateur de fanzine pendant les années 1970, il a longtemps travaillé comme ingénieur civil. C’est seulement en 1987 (à plus de 45 ans) qu’il dessine une histoire de Picsou et celle-ci est alors immédiatement publiée par les éditions Gladstone. Don Rosa travaille assez lentement, de façon solitaire, à l’européenne pourrait on dire, en réalisant aussi bien le scénario que les crayonnés, les décors et l’encrage. Il dessine en moyenne 70 planches par années, ce qui est peu dans le monde du comic-book, et son travail se caractérise par une grande minutie. Sa préoccupation majeure semble de respecter scrupuleusement l’univers défini par Carl Barks, dont on reconnait l’héritage aussi bien dans ses récits que son graphisme.

 La Jeunesse de Picsou (The Life and Times of Scrooge McDuck) a été dessinée entre 1991 et 1993. Elle est parue en comic books chez  Egmont et comporte 12 récits de 15 pages, (numérotés de 1 à 12 dans l’édition française). Rapidement, d’autres chapitres complémentaires se sont ajoutés à cette saga, et ils ont été chiffrés par 00, 3b, 8b ou 8c en fonction de leur place dans la chronologie globale. Cette série reconstitue toute la vie du personnage entre 1867 (date de sa naissance) et 1947, année de la rencontre entre Picsou et Donald dans Christmas on Bear Mountain, le premier récit de Barks. Don Rosa explique dans son site comment cette idée lui est venue après la lecture d’un essai de Jack Chalker (un écrivain de science-fiction) intitulé « An informal biography of Scrooge McDuck ». Cette découverte l’a poussé à relire les 6000 pages dessinées par Barks et à recenser toutes les informations « authentiques » qui permettaient de mieux définir Picsou. Son envie n’était pas de gagner de l’argent avec un « best seller », mais simplement d’assouvir un désir de fan. C’est ainsi qu’il a structuré toutes les informations recueillies sur le personnage pour en déduire une biographie précise, à la fois cohérente et respectueuse du modèle antérieur. Poussé par un souci maniaque de fidélité, Don Rosa a par ailleurs multiplié les récits et les anecdotes pour mieux expliquer les actes de son héros, donnant à son œuvre une ampleur et une intelligence que l’on n’aurait jamais imaginées dans une histoire de canards.

 J’étais loin de connaître tout cela lorsque j’ai découvert, il y a 7 ou 8 ans, un exemplaire un peu abîmé de la Jeunesse de Picsou dans un marché aux puces. A vrai dire, je l’ai surtout acheté parce que le vendeur n’en demandait presque rien (1 franc suisse), et quand je pense aux merveilles que j’y ai découvertes, ce n’était vraiment pas cher payé.

 Pour obtenir une biographie crédible, Don Rosa s’est d’abord appliqué à préciser les origines de Picsou. Carl Barks ayant déjà évoqué sa jeunesse écossaise et ses débuts de cireur de chaussure, Don Rosa développe avec subtilité ces informations pour préciser le caractère du personnage. Dans le premier chapitre de cette saga, intitulé The Last of the Clan McDuck, Picsou est un bon garçon, au tempérament intègre et travailleur. Sa famille est devenue pauvre et il cherche à gagner de l’argent pour lui venir en aide. Il est déterminé à se comporter honnêtement, mais le destin lui joue un tour par l’intermédiaire de son père qui veut l’endurcir. C’est ainsi qu’après avoir durement travaillé, Picsou reçoit une pièce américaine sans valeur, et qu’il se sent trompé.  Don Rosa modifie de façon subtile un événement qui avait été raconté de manière optimiste par Barks. Cette première pièce fait découvrir à Picsou la méchanceté du monde, et lui enseigne à devenir méfiant et âpre au gain

Autour de Picsou, les personnages entretiennent des liens familiaux complexes, et Carl Barks ne s’est jamais préoccupé d’y apporter de la vraisemblance. La pudibonderie américaine le contraignait à éviter toute allusion (même indirecte) à la sexualité, et c’est pour cette raison que Donald a trois neveux au lieu d’avoir des enfants, que Daisy est son éternelle fiancée et que son ascendance est incertaine en dehors d’un oncle (Picsou) et d’une grand-mère (Grand-mère Donald) qui apparaissent de manière récurrente. Don Rosa reprend tout cela et reconstitue avec patience et simplicité une famille complète. Il déduit de ses recherches que Picsou a deux sœurs, que l’une d’elles (Hortense) a deux enfants nommés Donald et Della, et que cette nièce devient ensuite la mère des trois garnements.

Ce souci d’exactitude a par ailleurs poussé Don Rosa à définir en détail l’ensemble des familles de Picsou et Donald.  Il a créé pour cette raison un monumental arbre généalogique qui  regroupe tous les personnages de Carl Barks, et ce document est devenu la référence ultime en la matière. Précisons qu’il reste tout de même des questions sans réponse, et que de véritables « donaldologues » ont ensuite analysé toute l’œuvre, en élaborant de savantes hypothèses sur les derniers mystères de la famille McDuck. Cet aspect amusant du monde de Picsou dépasse le sujet de ce billet, mais les curieux pourront découvrir dans le blog de Pmspg toutes les réponses à des questions qu’ils ne se sont jamais posés.  Pour Don Rosa, cette reconstitution maniaque n’est toutefois pas une fin en soi, et il s’intéresse aussi à l’évolution des caractères. Il joue avec le temps, et c’est ainsi que nous découvrons un Donald tout jeune enfant qui botte le derrière de son oncle, manifestant ainsi déjà son mauvais caractère.

Pour approfondir la  vraisemblance de son personnage, Don Rosa lui donne surtout une dimension éthique. Tout au long de ses premières aventures, Picsou est honnête, courageux et sympathique. Il défend aussi bien la justice que sa famille, et c’est ainsi qu’en Australie, dans l’épisode 7 (Dreamtime Duck of the Never Never), il abandonne une volumineuse opale dans sa grotte d’origine, pour respecter une tradition locale, renonçant ainsi à une fortune mal acquise.

Picsou a surtout l’esprit de famille, et s’il s’acharne à gagner de l’argent, c’est pour permettre à ses parents de vivre dans le château familial. Il défend au fond des valeurs très américaines, et cet éloge du travail, de la liberté d’entreprise, de l’esprit de famille et de l’appât du gain correspond à une morale capitaliste toute simple. Dans le chapitre 9 (The Billionnaire of Dismal Downs), Picsou retrouve sa famille et prend ses sœurs sous sa protection. Don Rosa montre alors quelques images qui dévoilent son univers intime, par exemple avec ce tableau d’un fils ému qui se penche sur la tombe de sa mère.

Au fils de ces récits qui recouvrent plus de 60 années, Don Rosa multiplie les anecdotes et les événements significatifs qui font évoluer le personnage. Picsou émigre en Amérique pour faire fortune, et travaille comme matelot sur le navire de son oncle (The Master of the Mississipi) où il affronte une première fois les fameux Rapetou. Il devient successivement cowboy dans le Montana, prospecteur dans une mine de cuivre, puis chercheur de diamants dans le Transvaal où il se fait rouler par l’ignoble Gripsou. Il retourne brièvement en Ecosse pour sauver sa famille, avant de repartir à travers le monde, persuadé de rencontrer un jour la fortune. Pendant une vingtaine d’années il échoue dans sa quête de la fortune malgré tout ses efforts mais il garde un optimisme et une énergie inaltérable. Après chaque échec, il trouve de nouveaux amis et repart de plus belle.Cette biographie est située de façon précise dans le temps. Picsou participe à des événements fameux, tels que le naufrage de Titanic, et rencontre plusieurs personnages historiques comme Jesse James (qui attaque le train dans lequel il voyage), Buffalo Bill, ou le futur président Théodore Roosevelt. Dans le savoureux épisode 9 (The Invader of Fort Duckburg), Picsou installe son fameux coffre et sa famille à Donaldville, puis il retrouve Roosevelt devenu président des Etats-Unis. Nous somme en 1902, et le milliardaire nous apparaît une dernière fois sous un jour sympathique, le temps d’une soirée avec son ami au coin du feu, pendant laquelle ils se racontent leurs expériences.

 La jeunesse de Picsou nous raconte une laborieuse ascension vers la richesse, mais elle est également suivie d’un lent déclin vers la tristesse et la solitude. Le sommet de cette histoire se situe au chapitre 8 (King of Klondike) pendant lequel notre personnage doit faire des choix. Picsou y découvre sa première pépite d’or, qui va rapidement faire de lui un millionnaire, et il rencontre aussi l’amour avec Goldie Labelle. C’est par ailleurs dans ce pays glacé qu’il doit lutter contre d’implacables ennemis comme Sloapy Slick qui veut le ruiner. Picsou traverse toutes ces difficultés de façon opiniâtre, et son caractère s’endurcit. C’est ainsi que nous le voyons franchir le col de Chilkoot, image fameuse que Chaplin nous montre également dans la Ruée vers l’Or.

L’énergie déployée par Picsou lui permet de terrasser ses adversaires, mais il est incapable de comprendre les sentiments féminins. Son amour pour Goldie est raconté dans l’épisode 8bis (Hearts of the Yukon) qui est, je pense, le sommet de la saga. Pour mieux comprendre leur rencontre, il faut remonter à Back to the Klondike, un récit antérieur de Barks dans lequel Goldie vole la bourse de Picsou. Celui-ci se venge en l’obligeant à travailler pendant un mois dans sa mine, et une relation mixte d’amour et de haine découle de cette expérience commune. Don Rosa prolonge cette histoire dans Hearts of Yukon, en montrant Goldie qui cherche à attirer Picsou auprès d’elle, et celui-ci qui s’isole dans sa mine par crainte de ses adversaires. Pour mieux parvenir à ses fins, Goldie dépose une plainte auprès du shérif, et Picsou doit lutter contre des accusations injustes. A la fin du récit, il sauve Goldie d’un incendie avant de repartir vers son domaine. Elle lui envoie alors une lettre qui contient une déclaration d’amour.

Picsou hésite devant cette lettre. Il est devenu méfiant, et n’a pas été préparé à comprendre les manœuvres féminines.Ayant choisi l’argent plutôt que l’amour, Picsou consacre toute son énergie à l’acquisition de nouvelles richesses. Dans l’épisode 9 (The Billionnaire of Dismal Downs), il est millionnaire et retrouve l’Ecosse, mais les choses ne passent pas comme il le prévoyait. Sa famille l’accueille avec émotion lors de son arrivée à Glasgow, mais ses concitoyens le rejettent.

 Comment devient-on un vieil avare ? Don Rosa compose habilement son récit, et nous montre comment le caractère de Picsou se modifie de façon inexorable. Il devient méfiant et aigri, et son seul bonheur est l’augmentation de sa fortune, même s'il reste attaché à sa famille. Il emmène ses sœurs en Amérique, puis il fonde Donaldville où il bâtit son fameux coffre-fort pendant l’épisode 10 (Invader of Fort Ducksburg). Sa rapacité fait cependant le vide autour de lui, et durant le 11^e chapitre (The Empire Builder from Calisota), ses sœurs finissent par le quitter. Picsou a choisi la part du diable, et au début du 12^e épisode (The Richest Duck in the World), nous découvrons le vieillard triste et solitaire qu’il est devenu en 1947.

 Cette histoire monumentale d’une vie, cette fatalité du destin et cette réflexion morale m’ont d’abord fait penser à ces grands romans russes qui foisonnent de personnages et de spéculations morales, mais le véritable modèle du récit est en fait Citizen Kane. Don Rosa nous le confirme avec son amusant pastiche, mais il refuse de rejoindre le pessimisme balzacien d’Orson Welles, et trouve pour son récit une conclusion plus malicieuse. En effet, Picsou fait un bilan de sa vie pendant ce psychanalytique 12^e chapitre, et accomplit un ultime effort pour revoir sa famille. Il invite ainsi Donald, le fils de sa sœur qu’il n’a jamais revu, et ce vieux grognon sent revenir une vieille tendresse en découvrant les trois garnements.

Donald se met en colère, et le milliardaire se met à sourire, car il y reconnaît sa sœur. Picsou est interpellé par ses neveux et décide de les emmener à la découverte de son coffre. Après 25 années de déprime, il affronte une nouvelle aventure car les Rapetou l’attaquent à nouveau, et cette adversité lui redonne l’énergie de sa jeunesse.

En choisissant cette conclusion originale et optimiste, Don Rosa réussit un véritable tour de force scénaristique. D’abord, cette fin ouverte respecte un processus assez logique, de même qu’une certaine morale puisque personne n’est définitivement bon ou méchant. Par ailleurs, l’auteur réalise une malicieuse performance en amenant son personnage dans la situation précise définie par Barks en 1947. Cette conclusion de la Jeunesse de Picsou est surtout un commencement, puisque le personnage entame une nouvelle période de son existence, marquée par de multiples aventures avec Donald et ses neveux. Comme Don Rosa l’a annoncé, cette épopée intelligente est d’abord un essai ludique, et « un plaisir d’un fan ».

Le dessin de Don Rosa se caractérise par sa fidélité au modèle de Carl Barks, mais aussi par la recherche d’un impossible réalisme. Alors que la représentation des personnages adopte la simplicité du modèle antérieur, les décors sont construits d’une façon plus élaborée et s’appuient sur une documentation précise. Curieusement, Don Rosa déclare dans le Collectionneur de Bandes Dessinées (N° 84) qu’il déteste dessiner les décors, et que cela lui prend beaucoup trop de temps. Cette minutie me semble toutefois être la caractéristique principale de son style, car il est bien le seul à illustrer le monde de Disney avec autant de soin et de détails. Parfois, Don Rosa introduit de l’humour dans cet environnement très travaillé, et cela donne des images fascinantes qui semblent s’inspirer de MAD. On trouve ainsi dans Hearts of Yukon une vignette qui montre Picsou traversant la ville de Dawson, et elle n'est pas très éloignée des dessins de Willie Elder.La jeunesse de Picsou est donc un chef d’œuvre inattendu, qui pétille d’intelligence et qui touche par sa ferveur. Elle permet à ce personnage caricatural d’acquérir une vérité et une profondeur surprenante. Don Rosa introduit aussi de grands moments d’émotion dans cet univers comique, et la dernière image en particulier me parait mémorable. En apparence, elle montre à nouveau Picsou en train de se  baigner dans ses pièces d’or, mais Don Rosa y trouve une autre signification. Si le milliardaire ne dépense aucune de ces pièces, c’est parce que chacune d’entre elles a une histoire. Donald reproche à son oncle d’avoir gâché sa vie, mais Picsou n’a pas que de l’argent, il est également riche en souvenirs.

 Ce vieux grigou cache sa tendresse. Tonnerre de Brest, il avait donc une âme !

Dernier détail, les grands dessins de Don Rosa contiennent un signe de reconnaissance qui remplace la signature que Disney lui interdisait d’apposer. C’est le fameux « DUCK », abréviation de « Dedicated to Uncle Carl from Keno », qui est aussi un hommage sincère de l’auteur à son modèle. Comme la société Disney ne voulait pas non plus cette dédicace, Don Rosa l’a soigneusement dissimulée dans certains décors. Ces « DUCK » sont présents dans toutes les couvertures et dans la plupart des grands dessins d’introduction ou de fin de chapitre. Il y en a un dans la dernière illustration ci-dessus, et vous ne l’avez probablement pas vu, mais il se trouve près du coin inférieur gauche du cadre.

 En France, les récits de la Jeunesse de Picsou ont été réunis en 1998 dans un album broché (uniquement vendu en kiosque) après leur publication dans Picsou Magazine. C’est à ce jour l’album de référence, car il contient non seulement les 12 épisodes de base, mais aussi trois épisodes « bis », dont « Hearts of Yukon » qui joue un rôle capital dans le récit. Une réédition sous le même format a été faite en 2004, mais elle ne contient que les 12 épisodes de base. Cette limite est peut être conforme à la volonté de Don Rosa, mais Goldie y est presque absente et cela appauvrit un peu l’impact de l’histoire. En 2006, un deuxième volume de la « Jeunesse » a été publié avec la plupart des épisodes « bis », mais il est regrettable de fragmenter ainsi cette épopée. Une œuvre aussi aboutie mériterait certainement une belle réédition cartonnée qui reprenne l’intégralité des épisodes.

Il existe peu d’articles sur Don Rosa en France, en dehors d’une interview et d’une critique publiées dans le Collectionneur de Bandes dessinées (N° 78 et 84). Heureusement, on trouve de multiples informations sur le Web et il faut d’abord mentionner d’abord INDUCKS, un moteur de recherche qui permet de trouver toutes les histoires des éditions Disney. Le site de Beru contient de multiples planches scannées et vous pourrez y lire en ligne et en anglais la totalité des récits de la Jeunesse de Picsou. Le site des grands classiques a bien résumé tous les épisodes de cette saga, et Don Rosa explique lui-même la genèse de son œuvre dans son « introDUCKtion ». On trouve également divers interviews de Don Rosa, que ce soit en anglais (1, 2, 3) ou en français, et j’ai déjà mentionné le blog de Pmspg dont la longue liste de liens pourra satisfaire les chercheurs les plus exigeants.

Voilà,  j'espère vous avoir donné envie de découvrir ce récit étonnant et indispensable. Don Rosa a reçu un Eisner Award en 1995 pour la Jeunesse de Picsou, et cette œuvre a désormais pris sa place dans le patrimoine mondial. Le dessinateur a raconté depuis de nouvelles histoires du personnage, et il s'agit souvent d’intelligentes suites à d’anciens récits de Barks. Au début de l’année 2008, il a été hospitalisé pour une maladie des yeux, et il se raconte qu’il ne pourra plus jamais dessiner Picsou. Le fandom retient maintenant son souffle.


Post scriptum du 18.11.2008 :
Je découvre tardivement une bonne analyse du caractère de Picsou (et de son évolution dans le temps) chez  Carl Barks.  Cela se trouve en ligne chez Comixture et je vous le recommande.

On croit parfois avoir de bonnes idées, mais à l’usage, elles peuvent se révéler encombrantes. C’est ainsi qu’au moment de partir en vacances en Bretagne, j’ai pensé qu’il était ingénieux d’emporter une BD régionale, pour mieux la découvrir sur place. Mon choix s’est porté sur Bran Ruz, album historique qui m’avait laissé un souvenir ébloui, mais … on devrait toujours se méfier de ses souvenirs. Depuis cet été, je suis embarrassé par ce livre imposant, et après plusieurs lectures agacées et réflexions perplexes, j’ai essayé de remettre en ordre mes tergiversations pour composer cette chronique.

A l’extrémité du Finistère, la côte domine l’océan et les falaises sont balayées par la mer et le vent. On y trouve une jolie petite plage entre la pointe du Raz et la pointe du Van, qui est fréquentée par les baigneurs et les amateurs de planche à voile. Cet endroit se nomme la Baie des Trépassés, peut être en souvenir du cataclysme qui a englouti la ville d’Ys (il faut cependant signaler que la tradition la situe dans la baie de Douarnenez). C’est là que j'ai passé mes vacances, et c'est également au bord cette côte sauvage qu’Auclair fait débuter son récit, en dessinant une nuit de tempête.

 Dans un village des monts d’Arrhée, en 1980, les habitants se réunissent pour un « fest-noz ». Deux chanteurs y entament un « Kan Ha Diskan », sorte de chanson à multiples couplets qui nous raconte la légende du roi Gradlon.

 Leur chant nous ramène au cinquième siècle, peu après l’invasion de l’Armorique par les Bretons. Au bord de l’océan, une tribu celte favorise le naufrage d’un navire en perdition.

C’est chez ces naufrageurs que vit le « rouge », un enfant solitaire qui ne s’appelle pas encore Bran Ruz. Il est considéré comme un idiot, et se réfugie souvent sur la falaise au bord de l’océan. De là, il contemple la lointaine ville d’Ys.

 Rejeté par les siens, l’enfant roux se réfugie dans la nature sauvage. Il contemple le ciel, la plage et les oiseaux. Tenaillé par la faim, il attrape un poisson, mais tout à coup sa proie l’interpelle.

Le « rouge » relâche cette créature qui est en fait un dieu vivant. Ce roi des poissons lui offre le pouvoir de sentir la vie des plantes, de voir avec les yeux des mouettes et de parler aux animaux. Riche de cette nouvelle puissance, l’enfant part à la conquête de la cité de ses rêves.

 Dès lors, l’histoire du « rouge » se confond celle de la ville d’Ys. Après quelques péripéties, l’enfant roux devient l’époux de la princesse Dahud et prend le nom de Bran Ruz. Il rejoint ensuite le peuple de la vieille Armorique pour s’opposer à la tyrannie des celtes chrétiens. Il affronte Gradlon en combat singulier, et l’enfant persécuté se transforme en guerrier triomphant. Bran Ruz devient le maître de la ville d’Ys, mais son règne va être bref. Le prêtre Guénolé, qui refuse d’accepter un retour au paganisme, envoie un commando pendant la nuit pour assassiner les gardes et ouvrir les vannes qui protègent Ys de l’océan. Bran Ruz, Dahud et tous les habitants de la ville disparaissent dans les flots

Cette histoire est parue en épisodes dans  A Suivre entre 1978 et 1980. Ce journal mensuel voulait remplacer la traditionnelle série centrée autour d’un héros par une nouvelle formule, le roman en bandes dessinées. Ce concept commercial  a stimulé l’ardeur de Claude Auclair qui s’est emparé avec vigueur de ce nouvel espace créatif. Il a conçu un récit de grande ampleur, destiné aux adultes, et s’est associé avec un nouveau scénariste, Alain Deschamps. Ensemble, ils ont élaboré une œuvre ambitieuse, en rassemblant plusieurs thèmes qui leur tenaient à cœur tels que la culture celtique, la révision de l’histoire officielle, la défense des traditions populaires et la lutte contre une politique centralisée. Cinq ans de travail leur ont été nécessaires avant d'aboutir à la publication de Bran Ruz en album.

La légende classique raconte que la ville d’Ys s’enfonçait lentement dans la mer, et qu’une haute digue empêchait l’eau d’y pénétrer pendant les marées. Une grande porte en bronze permettait de fermer les remparts, et seul le roi Gradlon en possédait la clé. Dahud, sa fille, était une débauchée qui organisait des orgies, malgré les sermons de Saint-Guénolé, et Dieu décida finalement de la punir. Un soir, un mystérieux cavalier arriva dans la ville. Après avoir séduit la princesse, il lui demanda d’apporter la clé qui se trouvait au cou de Gradlon. Dahud alla donc voler cette clé pendant le sommeil de son père, puis le diable ouvrit la grande porte de la cité, permettant à la tempête d’y pénétrer et d’engloutir toute la population.

Auclair et son scénariste adaptent cette légende en inversant sa perspective morale. Ils transforment les rôles des personnages, et Dahud devient ainsi une héroïne de la cause armoricaine, qui lutte contre la dictature des envahisseurs chrétiens. Fille d’une magicienne, elle est d’abord amoureuse de son père et cherche à l’influencer pour lutter contre Guénolé. Cet amour les conduit à l’inceste et lorsque Dahud tombe enceinte, il faut lui trouver un mari. C’est ainsi qu’elle rencontre Bran Ruz, frêle adolescent qu’elle finit par aimer. Elle vit de spectaculaires retournements amoureux, mais cette femme passionnée défend toujours la même cause. C’est une militante qui lutte avant tout contre les prêtres, et qui défend la vieille religion païenne. Ce personnage fier devient par moment la voix de la Bretagne, et si le caractère de Dahud reste crédible, elle ressemble parfois davantage à une icône qu’à un personnage vivant.

 Le roi Gradlon est un conquérant prestigieux, mais ce soldat est partagé entre sa mission de défendre la chrétienté et son amour pour sa fille Dahud. Il se montre indécis et finit par être dominé par les religieux, en particulier Guénolé qui n’hésite pas à l’invectiver. Le portrait de ce roi légendaire est composé avec finesse et nuance, et les auteurs ne cherchent pas à arranger ce personnage trop humain. Gradlon se comporte avec dignité, même lorsqu’il perd son titre de roi, et c’est lui qui est finalement le plus touchant dans cette histoire.

 L’évêque Kawrentin (Saint Corentin) et le moine Guénolé (Saint Guénolé) sont les évangélisateurs historiques de la Bretagne. Les portraits composés par Deschamps et Auclair sont ambigus, en particulier celui de Guénolé qui se montre prêt à tout pour faire triompher le christianisme. Ce fanatique cite à tout moment des extraits de la Bible, mais dans sa bouche, ce discours prend les accents de la haine.

 Et puis il y a ce personnage principal dont la conception ne me semble pas vraiment réussie. Bran Ruz est d’abord un enfant persécuté, et ce portrait initial reste simple et crédible. On pouvait attendre que son caractère change après l'acquisition d'un pouvoir magique, mais il ne l’utilise finalement pas beaucoup. Sa rencontre avec un fantasmatique roi des poissons lui donne une nouvelle assurance mais son ascension sociale est plutôt liée à la chance. Sa personnalité reste mal définie et Bran Ruz est surtout balloté entre des puissances qu’il ne maitrise pas. Une fois marié à Dahud, il devient un guerrier redoutable, et cette transformation rapide est aussi surprenante que peu convaincante. On peut supposer que ce personnage résulte de la synthèse de plusieurs intentions, et d’abord de la nécessité de trouver un héros breton. Bran Ruz est surtout un personnage programmatique avec sa chevelure rousse (qui l’identifie à un réprouvé), son destin tragique (il meurt à cause d’une trahison), sa capacité d’être en communion avec la terre, et sa lutte contre l’intolérance chrétienne. Il concrétise le message politique des auteurs, mais je trouve qu’il manque de chair et d’épaisseur psychologique. Il peut être un amant convenable pour la princesse Dahud mais il est un piètre héros dans sa lutte contre les chrétiens, et les auteurs ont mieux conçu leur fresque historique que la psychologie de leur personnage. Avant d’être englouti dans les flots, Bran Ruz exprime sa colère de façon théâtrale et ce dernier message, aussi bien que son ton prophétique, me parait bien artificiel.

La suite dans deux jours. Merci de votre patience !

Il y a des bandes dessinées que l’on relit tellement, pendant des années, que cela en devient un mystère. Au début, on relit une histoire pour mieux comprendre son ensemble, et pour savourer les détails du dessin. Il y a ensuite l’envie de retrouver certains gags, ou tout simplement le besoin de confirmer le premier regard et de préciser son jugement. A un stade ultérieur, il y a les histoires que l’on relit plusieurs fois pour la richesse de leur contenu, parce que leur complexité nous laisse espérer de nouvelles découvertes. Et puis, il y a l’œuvre que l’on relit sans arrêt, sans se lasser, des dizaines de fois, bien qu’on en connaisse tous les détails, parce qu’on y trouve quelque chose de plus. A ce stade ultime, on ne lit plus une histoire illustrée mais on contemple une œuvre d’art. L’ouvrage a une sorte de beauté inhérente au Neuvième Art, qui ne se réduit pas à la qualité du texte ou de ses dessins. On le relit « pour le plaisir du medium » en quelque sorte, fasciné les séquences d’images.

Certaines créations de Maurice Tillieux appartiennent à cette catégorie, en particulier Gil Jourdan dont les dix premiers albums atteignent une espèce de perfection. Je vais concentrer mes commentaires autour d’une planche de Surboum pour 4 roues, d’abord parce que son contenu me semble exemplaire, mais aussi et surtout parce que le charme des histoires de Tillieux provient de petits détails qu’on ne détecte qu’au moyen d'une lecture rapprochée. C’est une page que je revois souvent, et sa lecture réveille en moi une sorte de bonheur.

Rappelons brièvement le contexte. Gil Jourdan et Libellule enquêtent dans un petit village au milieu de la France, dans la région des Causses. Des gangsters y préparent l’attaque d’un fourgon bancaire, et comme on peut s'y attendre, ce plan minutieusement préparé va échouer lamentablement. Dans cette fameuse page, le chef définit le programme de chacun de ses comparses, et ce moment classique (véritable figure imposée dans un récit de gangsters) permet à Tillieux de révéler tout son talent de narrateur.

Regardons d’abord cette planche en entier. Elle a une structure très conventionnelle, avec quatre bandes de hauteur régulière. Les vignettes ont en revanche une largeur variable et nous montrent un groupe de gangsters. Elles s’élargissent ou se resserrent en fonction des personnages qui parlent, et le dessinateur ne recherche aucune sophistication.

« Ils étaient quatre dans un baraquement de la Sofrex », une phrase toute simple qui introduit un plan général. L’œil du spectateur est placé au fonds de la pièce et il y reste pendant toute la scène.  Les bandits sont assis autour d’une table, et le chef de bande se tient debout. Un personnage (le « prof ») est en bras de chemise et il a gardé son chapeau, alors que celui qui lui fait face (le «catcheur ») est habillé d’une salopette. On est dans un milieu rustique et chaque bandit est bien individualisé. Tillieux aime dessiner des « trognes » qui restent ensuite bien reconnaissables.

Tillieux maitrise avec finesse la représentation d’un décor. Il sait qu’une narration efficace ne nécessite pas de redessiner à chaque case les éléments du fonds de la pièce, car l’œil se souvient de ce qui a été montré (et peut le recréer mentalement dans les images suivantes). Dans cette vignette, le dessinateur détaille avec précision les papiers, les bouteilles et le matériel qui s’empile sur les rayonnages, de même que le tuyau au fond de la pièce. Il ne les montrera plus par la suite.

 Le cadre se resserre sur le chef qui continue à parler. On remarque son visage dur, ses yeux plissés, son maintien arrogant et son sourire satisfait, tandis que son discours a relativement peu d’intérêt. C’est une case intermédiaire qui ne semble pas apporter grand-chose, et on remarque la mine ahurie du catcheur qui reste silencieux. On attend qu’il se passe quelque chose mais Tillieux alourdit cette atmosphère, en prenant son temps.

 La vignette suivante se focalise sur le schéma et la main du chef, et elle ne semble pas avoir d’autre utilité que de varier les plans. Pour une fois, on ne voit aucun visage, et l’attention se fixe sur les explications techniques. L’information apportée par le dessin est insignifiante, mais elle donne un semblant de sérieux à cette page. Il s’agit encore d’une case de transition mais ce temps mort va permettre à Tillieux de jouer sur les contrastes. Il n’y a pas encore d’humour dans cette scène qui respecte à ce stade les standards du genre policier.

Le chef continue ses explications sur un ton triomphal, et le catcheur laisse éclater son admiration. « Ca, c’est goupillé ! ». Cette réplique semble au départ banale, mais Tillieux va la transformer en gag.

 Le monologue se transforme alors en dialogue. Le catcheur prend de l’assurance et commente chaque explication avec une mine ébahie. Je trouve ce « ça c’est mon boulot » d’une drôlerie irrésistible. Comme le déclarait autrefois Goscinny, les imbéciles sont précieux dans une histoire, puisque ce sont eux qui nous permettent de rire.

« Lui ! ». Cette vignette est importante dans cette séquence, car cette réplique porteuse de mystère fait basculer l’équilibre des forces. Le catcheur prend la vedette et le comique devient prédominant. Par ailleurs, que désigne son doigt ?  Durant mon adolescence, je croyais que la main de cet ahuri nous indique son chef et qu’il tourne son regard vers le « public », comme le ferait un comédien de théâtre. Je riais de ce « lui » admiratif, de ce commentaire béat du personnage devant un discours auquel il n’a peut être rien compris. Plus tard, j’ai pensé en revoyant cette image que le catcheur désigne tout simplement le comparse qui va prendre la parole à la case suivante. Cette interprétation est moins drôle, mais redoutablement logique. Toutefois, le geste de cette main est ambigu, et je pense qu’on peut l’interpréter de différentes manières. On pourrait aussi penser, par exemple, que le doigt du catcheur se tourne vers le lecteur !

 Petit aparté : ce « lui » est un gag qui m’a accompagné pendant une bonne partie de ma jeunesse. Je me rappelle en avoir parlé avec mon frère, et c’était un petit moment de bonheur. Parfois, il nous arrivait parfois d’écarquiller les yeux, de pointer quelqu’un du doigt, et de s’exclamer « lui ». Cela nous semblait toujours drôle.

Toni « le martiniquais » prend la parole, et le ton redevient sérieux. Son visage est dur et il parle la cigarette au bec.  Il est de ceux à qui on ne la fait pas et l’ambiance change. Sa question fuse, et la tension monte, même si le chef ne se départit pas de son sourire satisfait. A relever que le catcheur est déplacé derrière Toni, alors qu’il était devant lui (et à sa gauche) dans les autres images. Cette petite contradiction (qui pourrait stimuler les pinailleurs) signale surtout une vraie mise en scène. L’humour s’efface momentanément derrière l’histoire policière et le propos technique.

La nouvelle image semble répéter la précédente. Elle n’apporte rien de nouveau, car Toni questionne et le chef répond. Ils semblent se toiser, alors que le décor s’efface. C’est peut être une image inutile, mais Tillieux y intensifie son ambiance et le caractère des gangsters. Je pense que la plupart des scénaristes actuels abandonneraient cette case de transition. 

Retour à un plan général sur les quatre protagonistes, et le discours du « prof » qui donne une dernière explication. Un petit élément de décor réapparait à côté de ce dernier, mais il n’y a plus de fenêtre ni de tuyau. On sait qu’ils sont là, et seule une boite de conserve (ouverte) nous rappelle que tout se passe dans un baraquement. C’est alors que Catcheur reprend la vedette.

Tillieux a le sens de la formule, et il y en a toujours deux ou trois dont on se souvient dans chaque album. Son « ça s’est goupillé » est une des trouvailles majeures de Surboum pour 4 roues. Dans un premier temps, elle conclut de façon ingénieuse (et malicieuse) aussi bien la scène que la planche.

  Cette sentence est réutilisée avec de petites modification dans la séquence suivante, qui montre l’attaque du fourgon bancaire. En fait, le véhicule est vide, et les gangsters se rendent compte qu’on leur a tendu un piège. Ils s’enfuient en voiture et l’histoire se transforme en farce.

 Puis en dernière page, lorsque tous les gangsters sont arrêtés, on entend une dernière fois cette réplique du catcheur. C’est à chaque fois plus drôle et Tillieux démontre son génie du gag.

 Surboum pour 4 roues paraissait à raison d’une page par semaine dans le journal Spirou, et toute l’histoire est rythmée par ce découpage hebdomadaire. Chaque fin de planche devait trouver une conclusion partielle. Le plus souvent, le scénariste introduisait un imprévu, une exclamation ou un suspense, afin d’inciter l’achat du journal suivant. Tillieux utilise aussi ce procédé, mais avec parcimonie et plutôt que de jouer avec l’attente du lecteur, il aime terminer ses pages avec malice par un bon mot, ou en créant une petite conclusion intermédiaire. Dans cette planche, la réplique du catcheur est à la fois un gag et une habile fin du dialogue. On peut quitter la dernière image (et attendre la suite pendant une semaine) sans ressentir de frustration.

A quoi tient finalement le charme de cette page ? Il est vrai qu’on y retrouve les ingrédients que Tillieux a toujours utilisés, comme la création d’une atmosphère à la fois réaliste et étrange, reposant sur des personnages typés, des décors simples mais suggestifs, et des dialogues rythmés. Il y a ces saillies d’humour, sous la forme de bons mots, de situations comiques ou d’affrontements de caractères, qui dynamitent à intervalles réguliers le déroulement d’une enquête initialement banale. Il y a aussi ce plaisir de découvrir l’apparente parodie d’une séquence policière mille fois racontée. Mais tout cela est-il suffisant pour la relire aussi souvent ?

Il y a je crois un vrai mystère dans ces récits que l’on n’a jamais fini de redécouvrir. Les critiques ont souvent insisté sur le cocktail d’humour et de mystère, et aussi sur les scènes de « casse » que Tillieux se plaisait à dessiner. C’est vrai qu’on en trouve beaucoup, en particulier dans Surboum pour 4 roues, mais j’y vois plutôt une sorte de jeu ironique avec la matière. Il y a parfois des histoires de poursuite, mais Gil Jourdan n’est pas une série qui repose sur l’action ou le spectaculaire. Comme l’illustre cette fameuse planche, la plupart des récits sont racontés sur un rythme tranquille, sans utilisation de suspense, avec des images pauvres de décor (ce qui ne les empêche pas d’être suggestives) qui illustrent simplement les dialogues des personnages. Tillieux rajoute par ailleurs des images qui ne semblent pas avoir d’utilité précise, pour prolonger l’ambiance. Ces vignettes ralentissent l’action, intensifient le banal, et nous emmènent vers des chemins de traverse. Il se concentre sur des détails (comme le plan dessiné par le chef des gangsters) qui ne semblent pas avoir d’intérêt scénaristique ou esthétique et, paradoxalement, il capte ainsi notre attention. Il nous plonge au milieu de petits événements quotidiens, mais ceux-ci apparaissent décalés, parfois insolites, ou même amusants. Il invente une réalité chimérique, mais son charme nous donne envie de croire à son existence. Il multiplie les explications sur les actes de ses personnages mais l’univers qui en résulte garde une épaisseur énigmatique. Plus on relit ses pages (qui ne sont pas toutes réussies, loin de là), et plus on se laisse hypnotiser par ce faux réel, cette stylisation de la France profonde et cet amour des petites gens et du quotidien.

La banalité voulue de cette planche me semble donc exemplaire des albums de Gil Jourdan. On y retrouve ce faux rythme et cette épaisseur des personnages, de même que ce réalisme caricatural et cet humour mélangé à un ton sérieux qui représentent la quintessence de l’art de Tillieux. Avec son introduction lapidaire et sa conclusion ironique, cette planche m’apparaît absolument parfaite.

Depuis quarante ans, j'ai toujours du plaisir à la contempler.
 

Merci monsieur Tillieux.

Ca c’est goupillé !

Le Concerto de Croque-monsieurse situe quelques mois plus tard. Le furet est toujours affecté par sa petite taille et décide de revenir à Gutaperka. Il est aidé par un nouveau complice, le rat Evariste, et consulte le Dr Quinquet en lui demandant de guérir. L’application d’une pommade lui permet de retrouver sa grandeur après deux mois de traitement. Le furet obtient ensuite un nouveau couteau et décide allègrement de repartir en chasse.

 Le lendemain du crime, on entend à nouveau les mélodies du violon de Zagabor sur la lande, et Croque-monsieur panique immédiatement.

Le furet et son complice s’enfuient au loin et mangent des pommes comme de simples végétariens pendant quelques semaines. Evariste ne le supporte plus et revient à Gutaperka pour affronter le violoniste. Il l’assomme d’un coup de bâton et lui vole son instrument, puis retourne vers son complice sans s’apercevoir qu’il est suivi par Luminette, la luciole d’hiver. Lorsque Croque-monsieur veut s’emparer de l’instrument, il se retrouve en face d’un mystère surprenant.

 Zabagor arrive également sur place et reprend son violon sans rencontrer de résistance, car le furet est paralysé par la terreur. Croque-monsieur reste déprimé pendant quelques jours, puis son moral s’améliore lorsqu’il rencontre Zakouski, un autre carnivore.

 Un nouvel oiseau, nommé Arthur, fait irruption à Gutaperka. C’est surtout un voleur qui dérobe divers objets à Flouzemaker et Sibylline. Il s’enfuit et rencontre Zabagor qui dort sous un arbre. Il lui dérobe sans hésiter son violon et son chapeau.

Encouragé par Zakouski, Croque-monsieur entame une impressionnante série de meurtres. Il trucide joyeusement un odieux lapin capitaliste, puis c’est au tour d’une famille entière de rongeurs de se retrouver au fond d’une marmite. Zakouski et Evariste rencontrent ensuite Arthur, l’oiseau voleur qu’ils prennent pour le violoniste. Ils l’assomment à coup de gourdin et Croque-monsieur croit avoir enfin vaincu son adversaire.

 Pendant de temps, Zabagor s’inquiète de la perte son violon mais il arrive à retrouver son instrument abandonné grâce à sa luciole. En finissant son repas, Croque-monsieur s’inquiète au sujet du violon et décide de le retrouver. C’est alors qu’il se retrouve face à Zabagor !

Comme dans la première partie, Macherot fait alterner avec malice l’humour noir et la féerie enfantine. Il semble éprouver un malin plaisir à raconter cette succession de crimes, car chaque événement se termine par la description ironique d’une recette de cuisine (le lapin capitaliste est préparé « à la bonne maman » tandis que le pauvre Zagabor est cuisiné au court-bouillon). Cette voracité incessante permet à l’auteur de créer une ambiance morbide, mais elle dynamise surtout le récit car chaque rencontre avec Croque-monsieur crée une tension extrême. Dans une interview donnée au fanzine l’Age d’Or en 1990, Macherot  évoque l’exemple de la nuit du chasseur,le fameux film de Charles Laughton (avec Robert Mitchum) qu’il trouve « effrayant, terrible, mais qui en même temps ne parait pas tellement réel ». Cela pourrait être une façon de voir cette image de Verboten qui est sur le point d’être dévoré, mais pour ma part, je trouve ces ombres tout simplement terrifiantes.

 En contrepartie de cette intrigue sanglante, il y a ces poétiques petites lucioles qui donnent au violon de Zagabor une force invincible. Le récit commence d’ailleurs comme un véritable songe d’hiver, avec la découverte nocturne des lucioles, mais il se transforme ensuite en conte macabre avant de se terminer comme une farce grinçante. Avec ce mélange de naïveté et de férocité, Macherot s’inscrit dans une tradition littéraire enfantine et fantastique que l’on peut rattacher aux Contes des frères Grimm (paternité d’ailleurs revendiquée dans une interview). Il nous fait passer de l’émerveillement à l’horreur, puis de la poésie à l’humour en gardant toujours une grande simplicité de ton. C’est ainsi que j’aime cette scène nocturne qui montre nos personnages en train de suivre les lucioles. Je la trouve pleine de poésie.

 Cette histoire macabre reste d’une grande légèreté grâce à la simplicité du ton de l’auteur et surtout de son humour permanent. Macherot multiplie les gags en racontant cette suite de meurtres, et il fait un grand usage de l’ellipse (en ajoutant un commentaire narquois) afin d’éviter toute surenchère graphique (l’assassinat du faisan que l’on voit au début de ce billet l’illustre de belle manière). Par ailleurs, il n’hésite pas à faire intervenir des personnages spectateurs pour créer un effet de distanciation, telle cette grenouille qui contemple au loin le festin carnassier en déclarant que, décidément, « ils ne font que bouffer, ceux-là ! ».

Quelques pages plus loin, Macherot réutilise le même gag, et c’est un exemple de l'humour de répétition qui imprègne le récit. Il dessine aussi de petites grenouilles en bas de page qui prennent à témoin le lecteur, comme par exemple cette vignette qui montre l’oiseau voleur assommé par les rats carnivores. Cet usage de l’autodérision, qui ressemble à la manière de Gotlib, est plutôt rare dans l’œuvre de Macherot, mais elle est révélatrice de la jubilation qu’il a dû éprouver en contant cette histoire.

 Cette dérision s’exerce finalement surtout envers les méchants qui finissent par être ridicules. C’est ainsi que Croque-monsieur finit par agacer même ses complices, et leurs pensées commentent avec malice le comportement du furet. Les méchants finissent par perdre leur puissance maléfique et la morale est finalement sauve (n’oublions pas que cette histoire est parue dans un journal pour enfants).

 Le dessin de Macherot présente également une évolution de style par rapport à sa période classique. La mise en page utilise souvent quatre bandes de dimension régulière, mais le nombre de vignettes baisse car il n’y a plus qu’une ou deux images par strip. Cette diminution de la densité en illustration permet toutefois à certaines scènes d’acquérir plus de force. Par ailleurs, on peut remarquer que les personnages occupent une place plus grande à l’intérieur des cases, tandis que le décor a tendance à se simplifier. Le dessinateur se préoccupe davantage de préciser les actions ou les caractères des protagonistes que de célébrer le charme bucolique du monde animalier. Cette transformation du dessin est bien visible lorsque l’on compare deux vignettes équivalentes tirées du violon de Zagabor  et de Sibylline et la betterave, qui présentent à chaque fois Sibylline et Taboum face à un corbeau.

 Ajoutons encore une remarque sur la couleur, qui est réalisée par le studio Vittorio sur des indications du dessinateur. On ne retrouve évidemment pas les teintes franches qui caractérisaient les albums du Lombard, mais Macherot maîtrise bien toutefois ce problème. Il décrit ainsi sa méthode classique dans une ancienne interview données à Falatoff : « ce que je recherchais, ce sont des harmonies chromatiques, pour cela il fallait de grandes masses de couleurs, sans trop de détails, afin d’obtenir une belle herbe par exemple. Tout était calculé, jusqu’à la tache blanche du phylactère, jusqu’au petit nuage rose qui viendra rompre le bleu du ciel ». Dans le violon de Zagabor, il choisit une palette plus grinçante pour obtenir des contrastes dramatiques plutôt qu’un effet harmonique. Les couleurs tendres sont remplacées par des teintes sombres, et le ciel se colore d’un bleu verdâtre tandis que l’herbe se teinte de nuances métalliques. Il faut toutefois relever de nettes différences entre les couleurs du journal Spirou (où le ciel est sombre et verdâtre) et celles de l'album (où le ciel nocturne présente un bleu assez pur et plus clair). Vous pouvez le vérifier dans cette chronique car quelques images proviennent du journal (par exemple la scène des lucioles un peu plus haut), mais ces couleurs restent tout de même agressives dans l'album. Elles contribuent à l'ambiance voulue par Macherot et dans les dernières pages, Gutaperka devient un inquiétant univers violacé où la face jaunâtre de Croque-monsieur s’identifie à la cruauté.

Vous avez maintenant compris, j’espère, que le violon de Zagabor est un petit chef d’œuvre qui mérite d’être redécouvert.  Macherot a cependant réalisé de nombreux albums de cette veine, et c’est la caractéristique de cette« troisième époque » qui est évoquée dans mon introduction. Elle est non seulement méconnue, mais également difficile à comprendre car les inventions fantastiques s’y succèdent de façon surprenante alors que les nouveaux personnages paraissent de plus en plus irréels. C’est ainsi qu’après Zagabor, Macherot dessine le Kulgude dont les vedettes sont une sorcière, la méchante Zulma, Trougnou, un professeur plutôt gaffeur, et le Kulgude, étrange serpent à tête de clown, et ces trois personnages entreprennent une transmutation alchimique qui devient une farce tragique. La nuit fantastique, qui lui succède, prolonge l'exploration de ce curieux monde parallèle, et la terreur ne provient plus des carnivores agressifs (qui deviennent ridicules) mais plutôt d’inquiétants fantômes tels que le Troubadoule. Macherot semble ainsi débrider son imagination et certains récits, tels que Sibylline et Tanauzère, peuvent rendre perplexe par leur mélange de complexité et de malice. Il me faut à ce stade mentionner l'excellente chronique de David Turgeon qui considère cette succession de contes cauchemardesques comme un vaste ensemble (plus de 300 pages) qu'il intitule « le grand récit fantastique ». Il me semble juste d’admettre cette suite d’intrigues surnaturelles comme une œuvre en elle même, car les personnages se transforment et les péripéties s’imbriquent si étroitement  que certains épisodes deviennent incompréhensibles avec une lecture partielle. Il faudrait éditer cette saga en un seul volume pour que le lecteur en comprenne tous les événements. Pour l’instant, ces récits sont difficilement accessibles mais David Turgeon vient de faire un bon résumé sur son site, et cela pourra aider les amateurs désappointés par leur collection incomplète.

Il existe plusieurs études sur l’œuvre de Raymond Macherot, mais elles font peu de commentaires sur cette partie « souterraine » de sa production. Dans la monographie publiée par Mosquito en 1998, Jean-François Chevalier discute brièvement le violon de Zagabor et le Buffet hanté, en décrétant que « le fantastique est foncièrement d’ordre esthétique et lié à la nature ».  Il passe sous silence les derniers épisodes inédits et semble minimiser l’importance de ce « dernier opus fantastique ».

 Dans sa monographie publiée en 2002 chez l’Age d’Or, Edouard François détaille un peu plus les derniers récits de Sibylline. Il déplore l’évolution ironique de la série ou la décadence des personnages principaux et se place en nostalgique de la période classique de Macherot. En commentant le violon de Zagabor, il constate avec regret « ce monde de férocité, de crimes, de terreur, avec encore des ciels nocturnes, des nuages noirs, sans compter la neige qui n’arrange rien ».  Il n'y a en effet plus d'épopée ni de héros, et le commentateur semble perdu dans cet univers dominé par l'humour noir. Cette déception n'est pas unique et correspond, je pense,  à l’opinion actuelle de nombreux critiques.

 Un important travail reste donc à faire pour rendre justice à cette dernière partie de la carrière de Macherot. Travail critique, bien sûr, pour corriger quelques idées préconçues, mais surtout travail éditorial pour remettre ces histoires à la disposition du grand public. A ce sujet, les petits albums de 30 pages publiés par les éditions Flouzemaker ne me semblent pas suivre la formule idéale. A une époque où les intégrales se multiplient, parfois avec beaucoup d’intelligence (ainsi la récente réédition de Johan et Pirlouit), pourquoi ne pas publier une intégrale chronologique des récits de Sibylline ? Ceci permettrait non seulement de retrouver les histoires oubliées de la période dépressive, mais aussi (et surtout) de regrouper intelligemment les derniers épisodes de ce« grand récit fantastique » qui est un des joyaux oubliés de la BD franco-belge.

Grand maître de la bande dessinée néerlandaise, Marten Toonder est aussi estimé par la critique qu’ignoré du grand public. Considéré par certains commentateurs comme le « Walt Disney européen » en raison de ses BD animalières, il a créé plusieurs séries qui ont rencontré un succès international. Il a par ailleurs fondé un studio et employé quelques uns des plus grands auteurs hollandais de l’après-guerre comme Hans Kresse, Dick Matena, Henk Sprenger, The Tjong Khing, le scénariste Lo Hartog van Banda et aussi beaucoup d’autres que je connais mal.

Dans le monde francophone, son œuvre a surtout été publiée dans la presse quotidienne. Son œuvre maîtresse est la longue série de Tom Pouce (Tom Poes) mais celle-ci est aujourd’hui introuvable en français. Elle a été publiée pendant 30 ans sous forme de bandes quotidiennes dans la presse régionale, et il n’existe que peu de recueils. Une série de fascicules a été publiée de 1953 à 1962 aux Editions Mondiales (petits formats assez rares et très côtés) puis un album à tirage réduit a été édité par PBDI en 1992 (le Grand Barribal qui n’est plus disponible). J’ai exploré le Web sans trouver de bandes dessinées visibles, et on ne découvre que deux ou trois sites généraux plutôt avares en images. Cette absence de publications visibles ne permet pas d’avoir une opinion sur cette série qui reste un peu mystérieuse.

C’est ce genre d’arrière pensée qui m’a fait acheter il y a quatre ans sur eBay un fascicule de Panda qui semblait n’intéresser personne.

J’aime découvrir les vieilles bandes dessinées oubliées, aussi bien par nostalgie (revoir les images de mon enfance) que par curiosité. Il y a aussi le goût du vieux papier, ou plutôt le plaisir de se livrer à une « exploration archéologique »  des sources de la BD. Dans le cas de Panda, il s’agissait un peu de tout cela.

Panda a été créé en 1946 pour le quotidien De Haagsche Courant. Cette bande quotidienne était  éditée avec le texte en dessous de l’image et elle s’est poursuivie jusqu’en 1992. La série a surtout été dessinée par divers artistes du studio, Toonder ne signant que de rares épisodes lors de ses débuts. Elle a connu une diffusion mondiale, et a bien sur été publiée dans divers quotidiens français (La voix du Nord, Le Républicain Lorrain) ou belges (La Libre Belgique, Le Courrier de l’Escaut). Cependant, c’est surtout son adaptation en récit complet par les éditions Artima qui reste dans la mémoire des amateurs francophones.

Artima a publié 18 fascicules entre 1957 et 1959, et on trouve un dossier précis sur cette publication dans le N° 42 de Hop.  Les images d'origine sont retouchées et on y a incorporé des phylactères. Chaque fascicule contient deux histoires de Panda à l'exception des quatre premiers et du dernier numéro qui contiennent un récit d'un autre dessinateur. Dans le numéro 16  que je possède, on trouve le document secret  (20 pages) et le petit pompier (10 pages) et je vais bien sûr commencer par vous conter la première histoire.

Le récit se passe dans un monde animalier dont le nom n’est pas précisé. Au départ, Panda se promène dans la rue et constate qu’il est suivi par un inconnu.

 Alors qu’il croit s'être débarrassé de son poursuivant, celui-ci l’interpelle et se présente.

Pat Ozorel souhaite engager Panda comme assistant et ce dernier finit par accepter. Ils se rendent aussitôt au Ministère des Affaires Ultrasecrètes.

Le ministre leur confie une enveloppe secrète qu’il faut amener au gouvernement des Iles Occidentales. Cela implique un voyage de 4000 km et nos personnages doivent prendre le bateau. En sortant du ministère, Panda et Pat Ozorel sont pris en chasse par deux espions qu’ils essaient de distancer. Ils parviennent péniblement au bateau.

 Malheureusement, les espions suivent Panda  à bord du bateau et  essaient de leur arracher les documents secrets. Panda se défend en renversant sur eux une pile de tonneaux. Alerté par le vacarme, le capitaine constate les dégâts et finit par croire les déclarations des espions. Pat Ozorel soupçonne le capitaine d’être leur complice et décide d’inspecter sa cabine.

Le même soir, les détectives affrontent à nouveau les espions, puis ils décident de s’enfuir du navire. Ils partent au large avec une chaloupe mais ils sont poursuivis par leurs adversaires qui ont dérobé une autre barque. Lorsqu’ils sont sur le point d’être rejoints, Panda se met à manger les documents pour qu’ils ne tombent pas aux mains des ennemis.

Panda et son ami montent dans l’avion mais le pilote emmène également les espions. La bataille reprend et Panda se remet à avaler les documents.   

Le pilote de l’avion se fait assommer et l’appareil pique du nez. Les espions sautent en parachute et Panda prend le manche pour sauver l’avion.

L’avion finit par rejoindre les Iles Occidentales où le ministre est déjà sur place. Panda ne sait plus comment piloter l’appareil et il sème la panique dans la ville qu’ils traversent.

Le pilote reprend enfin ses esprits et fait atterrir l’avion sans dommage. Panda et Pat Ozorel retrouvent le ministre qui leur avoue que les documents confiés ne contenaient aucun renseignement.

Ainsi résumée, l’intrigue semble simple et assez classique, mais la lecture du fascicule est en revanche loin d’être fluide. On découvre au contraire un rythme très syncopé car l’action principale est constamment interrompue par des surprises, des gags, des chutes ou des coups de théâtre. Il faut bien sûr rappeler que Panda était une bande quotidienne de 3 images, et qu’en bon feuilletoniste, Toonder veillait à ce que chaque strip se termine par un petit suspense. On peut vérifier tout cela sur la page 7 de cette histoire, qui nous raconte la lutte des héros contre les espions à bord du bateau.

De plus, Panda était publié avec un abondant texte sous les images  et la lecture devait certainement prendre du temps au lecteur. Voici l'exemple d'un strip de Panda publié dans un journal hollandais.
La transformation de cette bande dessinée avec des phylactères a certainement accéléré la vitesse de lecture et l’histoire a perdu son rythme initial. J’en viens à penser que Panda n’est pas vraiment conçu pour être un album traditionnel avec ballons dans les images, et l’adaptation faite par Artima n’est pas très heureuse.

Avant de commenter le dessin des studios Toonder, il me faut préalablement citer un texte d’Alain Beyrand, spécialiste de Marten Toonder et auteur d’un article de référence dans Hop (N° 42). A son avis, les soi-disant connaisseurs apprécient mal cette série car « pendant 30 ans, ils n’ont connu et apprécié l’art de Toonder qu’à travers ces 18 recueils de cases trafiquées, étriquées, encombrées de ballons et débarrassées (…) des profondeurs et des couleurs dues à la trame ».  Il suffit d’ailleurs de comparer les images du fascicule avec l’apparence originale de Panda ci-dessous pour confirmer cette opinion.

Malgré cette excommunication péremptoire, je me risquerai tout de même à faire quelques commentaires sur la séduction du dessin de Toonder. On est bien sûr frappé par sa rondeur, son aspect moelleux et rassurant, et ce style est peut être inspiré par Walt Disney qui était la référence incontournable des années 40. Il présente bien sûr un monde animalier dont les personnages sont bien caractérisés et qui frappent par leurs grands yeux ou leur regard intense.  Leur allure innocente attire spontanément la sympathie du lecteur. De même, les « méchants » gardent une certaine bonhommie et ne sont jamais effrayants. Les personnages sont dessinés avec nuances et, malgré leur côté « mignon », ils gardent des physionomies riches en expressions variées.  Il m’est difficile d’illustrer cela avec les images de mon fascicule Panda, mais voici par exemple une galerie de portraits que j’ai glanés sur le Web.

 Les paysages sont également construits avec précision et leurs contours sont cernés avec netteté. Dans le fascicule Panda, ils sont souvent cachés par des phylactères qui dévaluent la qualité du dessin.

 Mais d’autres images montrent que Toonder peut être un illustrateur de talent. Il n’a pas travaillé sur ce récit de Panda (le dessinateur est probablement Harry Hargreaves) mais il existe des images (signées de sa main) qui révèlent une parfaite concordance entre son art et la production de son studio. Elles confirment aussi le charme de ses dessins, tel ce paysage que j’ai trouvé sur un site Web, provenant probablement de Tom Poes & Bommel

Il existe enfin un charme propre à ces récits car ils reprennent une thématique simple et universelle. Panda est petit animal honnête qui se lance dans de multiples métiers avec bonne volonté et débrouillardise. Il rencontre souvent le renard Bonhomme (absent dans notre récit) qui commence par duper le naïf héros, puis il se fait aider par un « maître » généralement gaffeur qui provoque de multiples catastrophes. Malgré tous ces avatars, Panda finit par vaincre les obstacles, car le bien et la morale triomphent toujours.  Cette éternelle victoire de l’innocence sur la perfidie s'associe à un humour permanent qui renforce bien sûr la sympathie produite par cette série.

Je ne me risquerai pas plus loin dans l’analyse après la lecture de ces 30 petites pages. Un livre de référence a été écrit par Alain Beyrand en 1987. Cela s’appelle « Marten Toonder l’enchanteur au quotidien » et j’ignore s’il est encore disponible. Le même auteur a par ailleurs écrit le petit dossier que l’on trouve sur Pressibus et je vous recommande de le consulter.

Précisons qu’après cette petite lecture « archéologique », je ne me suis pas précipité sur le web pour trouver d’autres fascicules de Panda. Cette série a certainement du charme, mais elle a aussi vieilli, et  il est probable que  Marten Toonder ne sera lu dans le futur que par des collectionneurs nostalgiques ou des intellectuels curieux (je me prononce évidement sur le monde francophone et pas sur les Pays-Bas).  Elle mériterait d’être lue dans un support qui respecte son format et ses qualités initiales mais je ne vais pas toujours répéter mon habituel couplet sur l’absence d’albums (il est regrettable qu’on ne trouve même pas quelque chose sur le Web). C’est au fonds le destin de la plupart des grands fondateurs de la BD que d’être ignorés par notre siècle,  car qui a lu en France les œuvres de Dante Quinterno, d’Antonio Rubino ou même de Richard Outcault (même si son Buster Brown a été réédité il y a une vingtaine d’années). Le grand public n’a pas encore un regard culturel sur le 9^e Art et c’est bien regrettable.